Oscar Piattella 奧斯卡‧皮亞德拉

自然與歷史刻化

奧斯卡・皮亞德拉（Oscar Piattella，1932–2023）出生於義大利佩薩羅（Pesaro），晚年長居於阿彭尼山麓的坎蒂亞諾（Cantiano）。在義大利當代藝術的長時脈絡中，他以戰後抽象藝術的重要代表身分，建立出一套兼具建築性與精神指向的繪畫語言：畫面並非對「抽象形式」的推演，而是以材料、結構與自然光線回應時間的沉積，讓歷史與自然在表面留下可被閱讀的痕跡。

皮亞德拉的創作常被歸納為「材料性的抽象」，但更精準地說，他所追求的是一種「可被居住的表面」：表面不是裝飾層，而是一個能容納記憶、風化、修補與生長的空間。這種思考使他的藝術不僅存在於畫布，也能與建築、城市與公共生活共享同一種長時間尺度。

1955 起｜I Muri：牆體的誕生與戰後抽象的坐標

皮亞德拉最重要、延續最久的研究主題，集中在 Archivio Piattella 所界定的「I Muri（牆體，1955–2013）」系譜之中。這裡的牆體並非抽象符號，而是義大利古城與宗教建築中真實存在的牆面：石材的層疊、修補的縫線、長年風化與侵蝕的表皮，植物攀附的力量，以及人類鑿刻與使用留下的刻度。對他而言，牆體從來不是背景，而是歷史在場的證據，也是文明如何在時間中留下自身的方式。

在 1950 年代中後期，這個主題迅速成熟。1958 年，他於米蘭 Galleria dell’Ariete 發表成熟的牆體系列，並獲 Franco Russoli 以重要評論引介，使其作品在義大利藝術體系中迅速獲得關注。牆體主題同時也回應了他對坎蒂亞諾中世紀垂直聚落的觀察：狹窄地形中，房舍沿山勢層層攀附，牆面既承重、也承受時間——這種結構性的視覺經驗，成為他日後長期創作的深層底稿。

表面作為結構｜材料、刮擦、覆蓋與嵌合

皮亞德拉的畫面建立於層層堆積、刮擦、覆蓋與嵌合的工作方法。石礫、礦物顆粒、金屬粉末、天然碎片等材料被納入畫布，並非作為點綴，而是構成畫面秩序的基本單位；表面因此呈現近似地層的結構感。光線在這些肌理上緩慢游移，顯露時間沉積後的狀態，使作品在靜止中仍保有內在流動。這樣的抽象不指向形象，而回應存在本身——畫面所呈現的厚度與重量，讓「時間」成為可被感知的尺度。

1990–1996｜牆與景的互滲：光、色、地貌與秩序

進入 1990 年代，皮亞德拉在牆體研究上逐步打開更寬廣的空間感：牆不再只是重量與邊界，而成為承接光影與色層的表面；「景」也不再是風景再現，而是材料在時間中生成的地貌。現代畫廊典藏的代表作品，完整呈現此一成熟階段的語彙與尺度：

《Paesaggio Quadrato｜方域》（1992，80×100cm）以方形秩序收束地貌感，讓抽象的結構與景象在同一平面互相牽引；
《Testa｜原初》（1993，100×120cm）與 《Acropoli｜衛城》（1993，100×120cm）更凝聚地指向「文明的核心」與「建築性的抽象」；
1995 年的 《Rosso Tramonto｜紅色斜陽》、《L’alba Negli Occhi｜眼中的黎明》、《Il muro del cielo｜天空之牆》以及大尺幅 《Migrazion｜遷徙》（150×250cm），將色彩、光感與移動的時間性推向更開闊的地平線。

1996 年的關鍵作品 《I rami del ramo d’oro｜金枝》（200×240cm）與 《L’ultima Luce della Notte｜夜裡的一道強光》（140×140cm）、《ll giardino dei glicini｜紫色風景》（108×128cm），進一步加深材料密度與光感層次之間的張力：在宏大畫面中維持結構節奏，在局部肌理中保存時間的細節。

1996 之後｜物質的引入：被忽視的風景與更細緻的光

1996 年之後，皮亞德拉更集中地讓自然材料成為畫面的主體語言：風化石礫、貝殼、葉片、岩石、金銀箔等，帶來更敏銳的光澤與反射，也帶來更貼近大地的重量。作品不再只呈現牆面遺跡或構造，更深入地觸及物質表面所隱含的時間與意義，使山水、河流、岩石、草原與丘陵等「被忽視的風景」在畫面中重新浮現。

現代畫廊所擁有的 Gemmazione 系列（1996、1999）尤能顯示他在小尺幅中如何完成材料調度與光的安排：例如 Gemmazione III / IV（1996，複合媒材）與 Gemmazione V（1999，24×30cm），讓「萌生／生成」不以敘事呈現，而以材料的密度與表面節奏，將時間的孕育轉化為視覺秩序。

世紀之交的作品群則顯示他對「大地—光—時間」的連續思考： 《L’ultima Luce della Notte｜光和影》（1999，100×120cm）、《Red Horizon｜紅色地平線》（1999，100×120cm）、 《Le nuvole della terra｜大地之雲》（2000，100×120cm）、 《Little Earth｜小地球》（2000）、《Purple Landscape｜紫域》（2000）等作品，在更內斂而純淨的色層之中，讓光像被洗過般停留於表面，形成更清澈的空間感。

教堂與公共建築｜作品進入歐洲公共尺度

皮亞德拉的創作並不止於畫布。根據 Archivio Piattella 所整理的「Opere monumentali（大型／公共作品）」資料，他曾為義大利都靈的 Santuario di Nostra Signora della Salute完成巨型彩繪玻璃窗（位於橫翼／transetto），以傳統鉛條玻璃技法構成壯闊的光之壁面；此類作品使他的抽象語言直接進入宗教建築的比例、採光與長時間觀看之中，與建築結構、自然光線與時間流動共同構成完整的場域。

2004 年，坎蒂亞諾市政府亦成立「I Muri. Esposizione permanente del Maestro Oscar Piattella」常設空間，保存並展示其牆體系列相關作品。這些事實在義大利文化體系中構成明確的公共尺度背書：作品不以展示為目的，而以「存在」回應城市與社群的時間結構；也正是在這樣的公共尺度裡，他的抽象語言得以與歷史並行，融入歐洲城市長時間累積的空間經驗。

2015–2020｜Segni del cosmo：從牆到宇宙的幾何詩學

晚期創作中，皮亞德拉發展出「Segni del cosmo（宇宙的記號）」系列。此階段常由素描與設計出發，建立嚴密的規劃與幾何句法（他稱之為「fraseggio geometrico」），並在色彩進入之後讓理性結構逐步轉化為新的生命體。這並非背離材料研究，而是把材料的時間性推向更清澈的空間感：從牆體的歷史重量，走向宇宙般的深度與秩序。

綜觀其創作，皮亞德拉始終在繪畫、建築與哲學之間往返：牆體不再只是牆面，而是一個承載記憶、自然與人類行為的場域。站在作品之前，觀看不必急著尋找答案；更重要的是讓材料與光線帶領感知——時間如何在物質之中累積，如何在表面顯影，又如何在我們習以為常的世界裡，悄然持續。